Liz Flores, è un'artista di origine messicana e cubana, la cui arte visionaria trae ispirazione dalla ricchezza delle esperienze quotidiane, dall'arte del raccontare storie e dall'affascinante allure delle forme femminili. Utilizzando un linguaggio visuale di rimando cubista attraverso una meticolosa pittura acrilica su tela, la sua espressione artistica supera i confini convenzionali, catturando l'essenza della condizione umana resa in un affascinante intreccio di linee, forme e figure astratte.
DCG: Le tue opere presentano spesso forme femminili dal carattere astratto e al tempo stesso profondamente personale. Puoi spiegarci cosa simboleggia la forma femminile nei tuoi lavori?
LF: Quando ho iniziato a dipingere e a disegnare, ho cercato di capire me stessa e il mondo. Come donna, il corpo femminile mi è sembrato un punto di partenza naturale e familiare. Credo anche che ci sia qualcosa che ho sempre trovato bello nelle curve, nella sottile morbidezza e nella forza del corpo femminile. Qualcosa che ho cercato di catturare e che mi ha permesso di sentirmi più a mio agio nel mio stesso corpo.
DCG: Nei tuoi quadri c'è una sorprendente assenza di volti definiti. Qual è il significato di questa scelta e come riflette il tuo punto di vista sull'identità e sulla percezione di sé?
LF: Non sono mai stata molto interessata a far sì che i miei dipinti mi assomigliassero realmente o che fossero caratterizzati da tratti ben definiti. Voglio che riflettano i pensieri, i sentimenti e gli avvenimenti che sono importanti per me, ma non credo che debbano rappresentarmi fisicamente per raggiungere questo obiettivo. La cosa più importante è ciò che queste figure stanno facendo o ciò che le circonda. Il fatto di non avere un volto definito consente all'osservatore di vedere se stesso nell'opera. Per quanto mi riguarda, questo mi allontana un po' dal quadro e mi concede un po' di spazio per essere libera.
DCG: La comunità e la femminilità sono temi forti nella tua arte. Come ritieni che il tuo retaggio abbia plasmato la tua rappresentazione di questi concetti?
LF: Sono stata cresciuta da un'intera comunità di donne. Crescendo non era raro passare qualche mese con mia zia e mia cugina, i fine settimana con le mie nonne, e in generale ho avuto molte presenze femminili forti nel corso della mia vita. Penso che nella comunità latina un villaggio sia davvero il cuore della tua educazione. Nel mio c'erano molte donne e questo ha dato forma a ciò che è importante per me e a ciò che desidero rappresentare nel mio lavoro.
DCG: Il concetto di Latinidad gioca un ruolo fondamentale nel tuo lavoro. Puoi dirci in che modo questa narrazione culturale influenza le tue scelte artistiche? E come questa nuova serie e il titolo "Así Es La Vida" si riferiscono alle tue radici culturali e alla tua filosofia?
LF: Man mano che il mio lavoro si è sviluppato, è stato naturalmente richiamato dai colori, dalle texture e dai temi che ho visto intrecciarsi nella mia educazione di latina negli Stati Uniti. La mia tavolozza di colori è ricca di tonalità della terra e di sfumature di terracotta che mi riportano alle ceramiche e alle ciotole di argilla che adornavano la nostra dispensa. Lo vedo anche nel modo in cui decoro il mio appartamento. Sono naturalmente attratta da questi toni della terra e dei monili, con punte di colore.
Así Es La Vida è una frase che dice mia madre. Me la ricordo soprattutto quando ero piccola. Quando raccontava una storia, parlando di qualcosa di negativo che stava accadendo nel suo mondo, concludeva con "beh, così è la vita". Questo atteggiamento è una specie di forza perché, indipendentemente da ciò che stava accadendo, rappresentava una forma di resilienza e di accettazione di ciò che stava accadendo e permetteva di andare avanti. Mi è sembrato adatto a descrivere questo nuovo corpo di opere che esplora la fine e l'inizio della vita.
DCG: Descrivi la pittura come un "processo intimo di scoperta di sé". Ci racconti come si svolge una tua tipica sessione di pittura e come trasponi le tue esperienze emotive sulla tela?
LF: Una tipica sessione di pittura inizia con uno schizzo a matita. A volte su un quaderno di bozzetti, ma mi piace anche disegnare sulla carta del computer. Mi sembra meno preziosa e trovo che sia possibile commettere errori e lasciarsi andare di più. Prendo tutti gli appunti e le idee che ho scritto e li tiro fuori. Questi appunti sono spesso citazioni di libri, podcast o audiolibri che ho ascoltato e che hanno risuonato profondamente con un'esperienza o una sensazione. A volte mi fotografo in posizioni diverse per cercare di ottenere una composizione corretta. Le foto sono spesso molto buffe.
Da lì, mi piace mettere i miei schizzi nel mio iPad e delineare il quadro giocando con i colori, finché non mi sento finalmente pronta per cominciare a dipingere. Mentre dipingo, lavoro sulla base dello schizzo che ho creato sull'iPad, ma mi permetto di giocare con i colori e di cambiare le cose quando lo ritengo necessario. Dipingo, faccio delle pause, ascolto i podcast e lascio che la mia mano faccia ciò che deve fare.
È un processo che richiede molta fiducia e un dialogo con me stessa per decidere la direzione della linea successiva.
DCG: La narrazione è un elemento centrale del tuo lavoro. Come credi che i tuoi spettatori si inseriscano nelle storie che i tuoi dipinti raccontano?
LF: La narrazione è diventata sempre più importante nel mio lavoro, man mano che ho acquisito maggiore sicurezza nella mia voce di pittrice. Penso che molti dei concetti, dei sentimenti e dei temi (come la perdita, l'identità, l'amicizia) provengano da un luogo universale in cui, si spera, molti spettatori potranno identificarsi.
DCG: La scelta dei colori sembra molto intenzionale. Come decidi la tavolozza dei colori per un'opera e che ruolo ha il colore nel trasmettere le emozioni del tuo lavoro?
LF: Il colore è molto importante nel mio lavoro. Guida gli occhi e aiuta a raccontare la storia. Una volta ho letto un'intervista con Heather Day che descriveva il colore come un segno di punteggiatura. È proprio vero. Il colore può raccontare una storia da solo e, a seconda di ciò su cui voglio attirare l'attenzione o di come voglio che lo spettatore guardi un dipinto, cambio la posizione dei colori.
Un colore ricorrente in quasi tutti i dipinti che ho realizzato negli ultimi anni è una versione del giallo di Marte. Spesso inizio con questo colore e elaboro a partire da qui. Se il quadro è più giocoso, mi piace aggiungere dei colori rosa. L'accentuazione di certe curvature e forme, come il seno, è spesso realizzata con forme circolari e, a volte, con macchie di rosso.
DCG: Il gioco di linee e forme nella tua arte crea un senso di movimento. Come riesci a trovare un equilibrio tra la composizione e la spontaneità nelle tue opere? E in che modo il cubismo moderno rafforza il tuo messaggio artistico?
LF: Mi piace quando le persone parlano del senso di movimento all'interno dell'opera, perché è qualcosa su cui lavoro continuamente: bilanciare le linee decise con le pennellate per creare una composizione migliore. Non sono una persona spontanea per natura, ed è per questo che penso di lavorare sempre a partire da uno schizzo. Mi piace avere un piano, ma ho dovuto imparare (e questo è ancora un esercizio per me) ad accettare i cambiamenti, anche se questi possono arrivare proprio alla fine della realizzazione di un quadro.
Il cubismo mi ha dato la possibilità di condividere sentimenti e messaggi che sentivo di non poter trasmettere in altre forme pittoriche convenzionali. Mi ha dato libertà e mi ha aiutato ad aprire la porta della spontaneità, che per me è difficile da raggiungere personalmente. Nel mio lavoro non mi preoccupo di avere corpi e prospettive anatomicamente corretti. Credo che le opere cubiste mi abbiano in un certo senso dato il permesso di pensare in questo modo.
DCG: Quando le tue pennellate tessono una "sinfonia visiva", c'è un messaggio o una sensazione particolare che vuoi trasmettere al tuo pubblico?
LF: Il messaggio dipende dal dipinto, ma in generale le pennellate e i gesti all'interno dell'opera mirano a dare più vita al dipinto. Questo è ciò che voglio che i miei spettatori sentano, non voglio che sia solo un dipinto grafico, ma qualcosa che sembri avere vita dentro di sé.
DCG: Infine, quale speri che sia la tua eredità come artista, in particolare nel contesto dell'arte latina contemporanea?
LF: Sto ancora cercando di capire quale sarà la mia eredità. Cerco di affrontare la mia carriera un giorno alla volta, concentrandomi sul diventare una pittrice e una narratrice migliore. Credo che questa sia la cosa migliore che possa fare come artista latina autodidatta che cerca di orientarsi nel mondo dell'arte. Spero che le donne e le persone latine possano vedere se stesse nel mio lavoro e che alla fine io abbia dato un piccolo contributo al mondo dell'arte contemporanea latina, rendendo il percorso più facile per altri.
